SOLITUDE
De quelle(s) solitude(s) parle-t-on ?
Si l’on adopte le point de vue du philosophe, la solitude ne serait pas la destination de l’homme, mais plutôt sa condition. Il n’est pas fait pour elle, mais par elle et sa vocation serait plutôt relationnelle. D’où un paradoxe : la solitude semble simultanément être la condition même de l’homme et l’obstacle qu’il doit surmonter pour ne pas succomber à la déréliction.
En dehors de ces réflexions revenons aux solitudes du quotidien.
Les non choisies, les douloureuses, celle de l’innocent que l’on dit coupable, de la victime affrontant son bourreau, la solitude du mourant ou de l’abandonné… sans oublier celui qui s’ennuie en sa propre compagnie !
En revanche, la solitude choisie peut être délicieuse, comme celle du promeneur enchanté par la beauté du paysage, de l’alpiniste ou du navigateur enivrés d’espace, ou au contraire celles du méditant plongé en lui-même et du lecteur oublieux du monde…
Quelques artistes se sont exprimés sur le pourquoi de leur création et d’autres ont jugé préférable de laisser le spectateur rêver, seul, avec l’image.
Maurice CASTELLA
Vit à Genève, membre de Visarte. A étudié à l’école supérieur d’arts visuels à Genève.
Je travaille principalement en noir et blanc en pratiquant la technique de l’encre et du monotype, sur papier et sur bois.
Paysages et végétaux, arbres et germinations… me nourrir de ce que je vois à l’extérieur pour exprimer et dévoiler un peu mon intériorité.
Joyce CURVAT
Depuis mon engagement en peinture, je travaille sur la mémoire, l’empreinte, la trace…
Durant les confinements successifs j’ai éprouvé un immense besoin de silence.
En supprimant le superflu, les habitudes et le bruit, ne subsiste alors que le silence et ce qu’il a à nous dire. J’avais compris que les mots étaient utiles à l’action, mais inaptes à traduire la richesse de notre monde intérieur.
Ces mots que je superposais depuis toujours, inlassablement sur ma toile, ont pris une forme et un sens différent. Et j’ai perçu que le langage de l’âme ne peut apparaître que lorsque la parole se tait.
Quotidiennement j’ai inscrit la mémoire du confinement, la mémoire du temps qui passe. Mais petit à petit n’a subsisté que l’unique trace du mot sur le papier. La superposition a disparu comme pour tenter de ne garder que l’essentiel. Et la minutie est devenue nécessaire pour approcher l’invisible.
Ce silence a cohabité avec la lenteur et le rituel de l’atelier.
Grâce à cet ascèse silencieuse j’ai trouvé une forme de liberté.
Caroline SECHEHAYE
Plasticienne. Vit et travaille à Genève, membre de Visarte.
Collages, découpages, transformations de la matière, mises en volume… fascinée depuis toujours par le papier, ce matériau occupe une grande place dans mon travail.
« Sur via Rhôna, mémoires de l’eau »
Inspirée par le Rhône, les découpes pratiquées et les plis imprimés sont gardés en mémoire dans le papier, principalement grâce à l’eau.
La mise en volume de feuilles de papier crée des formes simples et répétées qui peuvent faire penser à des mouvements de vagues desquelles émergent d’étranges poissons-squelettes qui tentent de surnager ou qui, au contraire, semblent figés comme fossilisés dans le papier.
Marie TAVERA
Le rêve du cheval
Écrire comme dessiner : pour voir.
L’endroit du regard.
Le moment d’un espace.
Le point aveugle où bouge une vie.
La focale d’un mouvement, d’une mémoire et d’une peau, le buisson d’un dessin, la forêt d’un oubli.
Quatre chevaux de trait : une rencontre.
Le puissant déploiement de leurs présences, leurs moments de repos et de jeu, l’intimité du quotidien, le sommeil, Le rêve du cheval. Une série que j’ai réalisée sur le terrain et en atelier, dans des formats permettant d’approcher une échelle 1:1, pour peut-être caresser leurs flancs.
http://taveramarie.wixsite.com/site
Anne MANGEOT
Exit la nature. La sculpture d’Anne Mangeot n’imite en rien un arbre ou un buisson, d’autres formes s’interposent plus abstraites, ou plus imaginatives. L’objet sculpté devient lieu, habitacle peut-être, robe ou vertugadin sans ses jupons, que sais-je…
Tout s’imagine dans un système conceptuel implacable : jamais une ligne de trop, jamais une branche de trop. La sculpture d’Anne Mangeot est le contraire du bavardage. Poésie, sûrement, mais débarrassée des fioritures du langage. Poésie de légèreté et de solidité indéniables.
Jacquie BARRAL
Isabelle TANNER
Saxifraga
Elle était fine comme l’air, légère comme du papier, fragile comme le cristal, et la voilà casseuse de cailloux. Ce qui était peut-être, ce qui sera un jour, de la lave en fusion, de la pierre qui brûle, qui garde sa matière, qui change de couleur et d’état. De la pierre qu’il faudra bien casser pour connaître son secret. Caché, le sens mais pas la forme, remis l’un sur l’autre, les morceaux même épars se parlent encore, se ressemblent et s’assemblent. Casser des pierres. Une étrange beauté, c’était hier et c’est déjà demain, justement ajusté, une histoire de couleur. Torrents et rivières aussi, ces vues glacées où la révolte gronde, éboulis et fracas. Tout ici parle de nature et de force, de violence faite à la structure du monde, de ce que l’on pourrait en faire, de ce que l’on en fait, de la surprise, de la beauté, de cet agencement qui toujours nous échappe. Le monde, livré à nos pieds, à nos yeux incrédules. La montagne comme un fleuve, une faille arrêtée, la pierre comme une image de notre éternité.
Nicolas RABOUD
https://isabelletanner.ch
https://vimeo.com/574814162
Jean-Claude SCHAUENBERG
Natures mortes 2021
Comment contempler la nature au XXIe siècle ?
Comment en faire la peinture ?
Un simple bâton rouge et blanc fiché dans un site naturel… et ce paysage ne l’est déjà plus !
N’est-ce pas toujours dans l’excès qu’une réalité accède à sa vérité ?
C’est bien la raison pour laquelle Schauenburg simplifie excessivement.
Michel THÉVOZ 2012
https://www.rts.ch/play/radio/vertigo/audio/schauenberg–un-art-tous-azimuts?id=10437221
Brigitte BABEL
Ma peinture se prépare spirituellement et physiquement dans la nature, elle se concrétise sur la toile dans l’atelier.
Mon travail est lent, il se fait par étapes. Choix du format, châssis, nature de la toile, pigments, colle à chaud pour préparer les fonds colorés. Ma peinture commence déjà là.
Puis je procède par couches successives. Une largement posée puis les autres en fines touches de couleur.
À un moment précis je sens une vibration spéciale: mon travail est alors terminé. Ma peinture est habitée.
Elle ne m’appartient plus.
Christine CÉLARIER
Bien que sculpteure, j’ai toujours dessiné. Le dessin n’est pas seulement le projet, il est aussi le sujet. Le dessin prévaut dans mes travaux récents, et chacun d’entre eux comprend la mémoire du geste sculptural et questionne les savoir-faire, la technique et les accidents. La série est une nécessité au sein de laquelle se forme une suite de paradoxes, le même et l’autre, la disparition et la renaissance, la similitude et l’écart: des couples contraires interrogeant les conditions même de l’apparaître.
Jane NORBURY
Ces récents travaux questionnent d’une manière tout aussi fondamentale la matière et l’équilibre. Ces sculptures s’inspirent des formes les plus primitives de la vie, tubes et nodules organiques ou boules, en terre brune cuits en réduction, ou en oxydation, déformés par pression comme par l’effet d’une forte apesanteur, parfois figés dans un mouvement de torsion ou de convulsion, comme fossilisés.
Il se dégage de cet ensemble une étrange atmosphère poétique, un questionnement sur l’origine de la vie qui laisse une place prépondérante au mouvement, à la tension de la matière et à la beauté naturelle d’une terre travaillée dans toute sa matérialité, sa dimension plastique et soumise à la rigueur d’une cuisson réductrice qui en révèle l’archaïque et sombre beauté.
Eric Pierre MOINET, historien de l’art
www.janenorbury.com www.instagram.com/janenorbury2
Amandine ANDRÉ
Issue d’une famille d’artistes valorisant la liberté de penser, j’ai décidé de m’exprimer à travers la photographie, artistique ou engagée, pourvu que je ne laisse pas indifférent…
Mon fil rouge : l’inspiration du moment, la capture d’un instant.
Le monde s’anime autour de vous si vous prenez le temps de le contempler. À travers mes photos, j’essaye de transmettre ma propre vision de ce qui nous entoure.
Happée, hypnotisée par les couleurs et les lignes, je capte ces instants furtifs.
La couleur est le maître mot de cette série aux multiples facettes. Inspirée par l’éclatante énergie des femmes, tantôt aux lignes souples et glamour, tantôt complètement dépassées par la multitude des rôles qui leur incombent, elles sont toujours source d’audace et de créativité !
Frédérique DIGUET
Photos coup de cœur
Au hasard d’une promenade environnement et nature se présente une ambiance que je m’approprie par pur plaisir sans artifice.
Jacques GUYOT
L’essentiel pour moi dans ma pratique photographique est « de montrer à voir ». Je n’ai pas de style particulier, de sujet de prédilection. Tout ce qui se présente à mes yeux est possible pour autant qu’il suscite un intérêt. Le banal peut devenir ainsi extraordinaire.
J’aime utiliser différentes techniques photographiques, de l’argentique au numérique. Chacune possédant ses charmes et ses limites. J’aime les grands formats qui permettent de se plonger dans l’image. J’aime les tirages sur beaux papiers avec des encres à l’épreuve du temps. J’aime ce long chemin qui commence avec le « clic » du déclenchement et se termine avec l’image installée dans le cadre.
https://www.facebook.com/jacques.guyot.52
Cette dernière exposition des élèves de troisième du collège du Mont des Princes à la galerie du Pont des Z’Arts revisite le thème du portrait qui avait été abordé par les mêmes élèves en sixième. Ce ne sont plus des autoportraits peints avec des épices que vous pourrez voir à la galerie mais, entre autre, des vidéos créées à partir de personnages en carton, photographiés et animés à l’aide de logiciels.
L’année dernière, l’artiste Joseph LOMBARDI nous avait accompagnés tout au long du projet pour créer et envahir l’espace public ainsi que la Galerie de nos graffs sur le réchauffement climatique ; cette année, c’est l’artiste Micky PFAU qui a co-construit ce projet.
Sa première intervention a permis aux élèves de se détacher de l’intention de réalisme quant à la pratique graphique du portrait. Les élèves ont exploré des techniques d’automatisme pour dessiner (les yeux fermés, de la main gauche…) l’objectif étant de se soucier plus de l’expression que de la ressemblance.
Les élèves sont ensuite passé au volume en partant d’un carton d’emballage mouillé dont on retirait la première «peau». Cette peau était ensuite froissée, découpée, posée sur des boules de papier pour créer des reliefs… L’élève devait être attentif aux étapes de transformation de ces reliefs pour laisser apparaître un visage et ainsi préciser ses intentions d’expressions.
Ce visage était ensuite augmenté d’un torse pour souligner sa personnalité (posture du corps, vêtement…) ainsi que d’un fond pour finir par le photographier. Cette photographie, introduite dans un logiciel (Photospeak) permettait de faire «parler» ce personnage ou plus précisément d’inventer un nouveau langage pour créer une ambiance sonore dans l’intention d’amplifier l’expression et la personnalité de leur création : https://youtu.be/-BpG2pT770Y
Micky PFAU exposera aussi ses créations, résultats d‘expériences faites au préalable pour tester ses demandes auprès des élèves.
Nous vous espérons nombreux à visiter cette exposition pour soutenir les travaux des élèves et ainsi apporter le témoignage de votre attachement aux pratiques culturelles essentielles.
Anne PUJOL, professeur d’arts plastiques au collège du Mont des Princes.
Flore BELIN
Le support que j’utilise m’oriente, c’est Le déclencheur de mon travail. Je le prépare avec attention, le posant sur la paroi, le tissu, un papier ou toile cirée, toujours non tendu.
Mon motif appartient à un registre de formes récurrentes liées à la représentation d’une maison. Les structures ainsi produites habitent la toile. Je joue à l’instinct les épaisseurs. Je cherche à forcer le matériau, à vaincre ses résistances.
Catherine COSNELLE
Les objets s’imposent à mon imagination. Je les rends visibles. Je les décale. Je les expose comme objets d’art. Je les mets en scène. Ils interrogent par eux-mêmes, par leur simple présence revisitée.
Alexandra CUSEY
Dans ma pratique il y a une descente dans l’intimité, un rapport physique, sensoriel, sensuel très fort avec les matières, le papier, les outils, l’eau, les pigments. Il y a les restes des jubilations enfantines à patouiller, éclabousser. Oser, essayer, s’aventurer pour explorer, provoquer un accident sans gravité rien que pour voir.
Et la fascination intacte de regarder l’eau, l’encre s’interpénétrer. Entendre le bruit de la trace.
Christine ORGEBIN
Ces dessins font partie d’une série « BOIS NOIRS » où l’arbre est le principal sujet.
Pour cette exposition je présente des grands formats (100×150 cm). Dans cette dimension, je pénètre dans le bois ; c’est une immersion parmi les troncs. J’aime cette sensation de faire corps avec le dessin, de faire partie d’un tout et ainsi de rendre hommage à l’arbre si vital et essentiel pour l’humain.
